DVD自压，192k音质 国家大剧院即将演出这部作品，故上传以作预习用。 拉赫玛尼诺夫创作《第二钢琴协奏曲》的故事始于他职业生涯中的一次重大挫折。1897年，他的《第一交响曲》在圣彼得堡首演，结果却是一场灾难。演出由亚历山大·格拉祖诺夫指挥，但据说指挥当时状态不佳，甚至可能醉酒，导致乐团表现混乱。这部作品随后遭到评论界的猛烈抨击，其中批评家凯撒·丘伊的评价尤为尖刻，他形容这部交响曲仿佛是地狱音乐学院学生的习作。这一失败深深打击了拉赫玛尼诺夫的自信心，他因此陷入长达三年的抑郁和创作瓶颈，几乎完全停止了作曲。在此期间，他靠教授钢琴课和偶尔担任指挥维持生计，但内心始终被失落与自我怀疑所笼罩。 转机出现在1900年。亲友们意识到他的困境，将他介绍给神经科医生尼古拉·达尔。达尔擅长催眠疗法，从1900年1月到4月，他每天为拉赫玛尼诺夫进行免费治疗。治疗中，达尔反复向他灌输积极的暗示，例如“你将开始创作协奏曲……你会轻松地完成它……它将品质卓越”。这些话语逐渐唤醒了拉赫玛尼诺夫的创作热情。同年夏天，他在意大利与友人费奥多尔·夏里亚宾共度假期时，开始着手创作这部协奏曲的第二和第三乐章。回到俄罗斯后，他以惊人的速度完成了这两部分，并在1900年12月15日与表兄亚历山大·西洛蒂合作首次演奏了这两个乐章，反响热烈。随后，他在1901年4月完成第一乐章，同年11月9日，整部作品在莫斯科爱乐协会的音乐会上首演，再次由他担任独奏、西洛蒂指挥。这次首演大获成功，不仅为他赢回了声誉，也奠定了这部作品的经典地位。拉赫玛尼诺夫将这部协奏曲献给了达尔，以表达对他的感激。 本曲包含三个乐章。 第一乐章中板，以c小调开篇，充满戏剧性与情感冲突。乐章一开始，钢琴独奏以一系列低沉的钟声般的和弦敲响，仿佛在唤起某种沉重的记忆。这些和弦逐渐增强张力，随后弦乐与单簧管引入了主要主题。这个主题由小提琴、中提琴和单簧管共同演奏，旋律深沉而富有表现力，而钢琴此时退居伴奏角色，通过双手快速交替的琶音为主题增添了丰富的质感。这种织体安排展现了拉赫玛尼诺夫对钢琴与乐团协作的精妙处理。随后，主题被大提琴接过，小提琴和中提琴加入，旋律逐渐攀升至一个情感的高潮，音响饱满而震撼。 紧接着，一个快速的钢琴过渡段将音乐带入第二主题。这段旋律转为E♭大调，相对柔和而抒情，由钢琴独奏轻声奏出，伴以木管乐器的轻巧和声。这一主题体现了拉赫玛尼诺夫对旋律性情的深刻把握，温暖而充满希望，与第一主题的沉重形成鲜明对比。发展部则展现了紧张与不安，两个主题的动机在不同调性中交织碰撞，时而由钢琴主导，时而由乐团接手，音响充满动荡感。钢琴在此部分的独奏尤为突出，通过复杂的音型和和声变化推动音乐向前，最终在一连串急促的琶音和乐团的齐奏中达到高潮。 再现部中，第一主题由乐团重申，但钢琴不再仅限于伴奏，而是以类似进行曲的节奏重新演绎部分动机，显示出拉赫玛尼诺夫对结构的巧妙调整。乐章最后以C小调的强有力齐奏结束，和弦铿锵有力，仿佛在宣示一种坚定的信念。这一乐章的情感基调既反映了拉赫玛尼诺夫内心的挣扎，也透露出他在困境中寻找出路的努力，技术与情感的结合令人叹服。 第二乐章舒缓的柔板，以柔板的形式展开，调性从c小调过渡到E大调，带来一种柔和而安宁的氛围。乐章开篇由弦乐演奏一系列舒缓的和弦，奠定了沉静的基调。随后，钢琴以简单的琶音进入，这一音型实际上改编自拉赫玛尼诺夫1891年创作的一首六手联弹曲《浪漫曲》，显示了他对早期素材的再利用能力。紧接着，长笛引入了主要主题，旋律悠长而富有诗意，随后单簧管以独奏形式加以发展，钢琴与弦乐则交替回应，将主题层层推进。钢琴在高潮部分以独奏引领，音符如流水般流淌，既细腻又充满张力。乐团的伴奏始终保持柔和，木管乐器的点缀为旋律增添了几分温暖。乐章结尾逐渐减弱，乐器逐一退出，最终在钢琴的独奏中平静收束，仿佛一场情感的沉淀。 第三乐章诙谐的快板，以快板展开，调性从E大调回到c小调，开篇由管弦乐奏出一段简短而紧凑的引子，随后钢琴独奏引入了充满活力的第一主题。这一主题节奏明快、情绪激昂，展现了拉赫玛尼诺夫音乐中少见的轻快一面。紧接着，双簧管与中提琴引入第二主题，转为B♭大调，旋律抒情而富有感染力，与第一乐章的第二主题在动机上有所呼应。 发展部充满能量，各个乐器轮流演绎第一主题的动机，音响如风暴般激烈，钢琴与乐团的对话此起彼伏，令人振奋。再现部中，第一主题被压缩为八小节的齐奏，简洁而有力，随后第二主题在D♭大调中重现，音色更加明亮。乐章的高潮出现在结尾部分，调性转为C大调，钢琴与乐团共同奏响胜利性的音响，气势恢宏。这一结尾不仅技术上令人惊叹，更传递出一种从挣扎走向光明的信念，情感上极具感染力。
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Jacob Collier: NPR Music Tiny Desk Concert SET LIST "Make Me Cry" "Feel" "It Don't Matter" 2019年7月22日 | Collin Marshall 报道 — 当 NPR（美国国家公共电台）的工作人员聚在一起观看他的表演时，雅各布·科利尔（Jacob Collier）正沿着走廊狂奔。这位来自北伦敦的24岁年轻人似乎难以抑制他那喷涌的创造力。这种能量体现在他的着装风格上，更淋漓尽致地展现在他的音乐之中，但这并非杂乱无章或失控的状态。他的作品是精妙而严谨的创作，如同由数千块木板在瓶中制成的帆船，却又轻盈得能在微风中航行。其规模之宏大超乎想象。这里有个例子：今年，他翻唱了亨利·曼西尼（Henry Mancini）和强尼·莫瑟（Johnny Mercer）的《月河》（Moon River），方法是录制了自己5000次演唱，并融入了另外144份征集来的人声素材。随后，在巡演途中，他打印了自己Logic Pro音频工程文件的签名副本并出售给粉丝。尽管这对雅各布来说是家常便饭，但他的产出在质量和绝对数量上依然持续令周围所有人惊叹。仅在今年，他就推出了一个名为《Djesse》的项目，包含四个风格迥异且各自完整的专辑。其中许多歌曲都是在创作过程中即时谱写的，包括一首专为Tiny Desk音乐会创作的歌曲《It Don't Matter》。 整场Tiny Desk音乐会信息量巨大。请帮我核对一下，但据我计算，雅各布演奏了七种乐器——如果你把他的歌声也算作一种乐器的话。而确实应该算上——雅各布的标志性手法就是像使用瑞士军刀一样，在作曲中运用人声。在这场演出中，几乎每一组乐队成员的组合都在某个时刻进行了和声演唱。这反映了他将音乐视为连接人心工具的哲学理念——运用我们每个人都拥有的“乐器”（人声）——这也正是我最初被他艺术所吸引的原因。仿佛是为了践行这一信念，将我们所有人凝聚于同一刻，他邀请全场观众齐声合唱了音乐会的最后一句歌词。演出虽已结束，但这远非雅各布想象力的边界。他心心念念要给我们留下一份礼物：一张用护照照片和牡蛎卡（Oyster Card，伦敦公共交通储值卡） 制作的假身份证——如今它正安放在Tiny Desk神圣的架子上。如果你能在未来的节目中找到它，就算你额外加分了。
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音乐综合 0
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